El Camino, The Black Keys
Álbum: El Camino
Grupo: The Black Keys
Discográfica: Nonesuch/Warner
Sección: Música
Comentario: Son la banda del momento y se lo merecen. No es que el éxito de Black Keys haya llegado de repente y por sorpresa, la suya es una de esas carreras que se han ido construyendo paso a paso; pero sí que parece que ahora todo el mundo ha puesto sus miradas en este dúo de Ohio, que ha dado en el clavo con un disco como El Camino. Con él han sabido encontrar el equilibrio perfecto entre la comercialidad y sus raíces de blues y garage que, al fin y al cabo siguen siendo sus señas de identidad.
Seguramente a estas alturas ya habréis escuchado el primer single del álbum, ‘Lonely Boy’ –por favor no se pierdan el video de la canción que ponemos al final de la reseña- y esos ‘ooohhhs’ del estribillo, de los cuales es imposible desengancharse una vez se han escuchado un par de veces. Sin embargo, El Camino no es uno de esos álbumes que se cimentan en un éxito, siendo el resto de temas simple relleno, todo lo contrario. El gran mérito de The Black Keys en este álbum ha sido meter en una misma batidora toda la gran música surgida entre la década de los 50 y 70 – blues, glam, garage, rock & roll…- darle un toque contemporáneo, cortesía de Danger Mouse –productor del álbum- y servirlo bien fresco para disfrute de todo el mundo.
Sus primeros fans les han hechado en cara que se hayan dejado por el camino la pureza de sus primeros discos, pero en el ADN de cada grupo tiene que estar la palabra evolución, y The Black Keys son la prueba de que se puede evolucionar, hacerse accesible y al mismo tiempo transpirar sinceridad y autenticidad. El Camino está repleto de fantásticas canciones ‘Little Black Submarines’ o ‘Sister’, que no sólo han dado ha The Black Keys el impulso necesario para llegar a la primera división –vendieron las 20.000 entradas del mítico Madison Square Garden en tan solo un día- sino que, a buen seguro, descubrirán a un gran número de gente las raíces más auténticas de la música rock. No está nada mal para aquel par de nerds que debutaron en el 2002 con The Big Come Up, y que seguro que no hubiesen podido imaginar todo lo que les está sucediendo 10 años después.
Gilda Belushi
¡Gracias Gilda! Genial selección. Me quedo con el vídeo de Lonely Boy, inigualable.
En la página oficial del grupo, encontraréis más información y podréis acceder a su discografía.
Played In Space – The Best Of Something Corporate
Álbum: Played In Space – The Best Of Something Corporate
Grupo: Something Corporate
Discográfica: Geffen/Universal
Sección: Música
Comentario: Gilda Belushi nos ha hecho unas cuantas recomendaciones más, las vamos incorporando poco a poco al catálogo. Esta no tiene desperdicio:
Es una pena que la figura de Andrew McMahon sea de culto, en el mejor de los casos, en Europa y por añadidura en España. Sin mucho temor a caer en la exageración, probablemente McMahon sea el joven compositor más brillante que ha existido en la última década. Con apenas 16 años fundó Something Corporate y cuando no había cumplido la veintena, ya grabó con estos su primera obra maestra, Leaving Through The Window, un álbum que elevaba al emo –entendamos emo en su concepción original, no en esa especie de etiqueta comercial que se ha convertido el término con el paso de los años- a una nueva dimensión.
Ataviado con su inseparable piano –como si se tratase de un Billy Joel, con influencias a partes iguales de The Smiths como de Green Day, para el siglo XXI – McMahon dejó a todo el mundo con la boca abierta con su capacidad innata de crear melodías llenas de emociones, con las cuales se identificaron cientos de miles de jóvenes norteamericanos. Tras un nuevo álbum, North, mucho más adulto de concepción –las influencias punk rock de sus inicios apenas eran perceptibles- pero igual de brillante, y de exitoso, todo hacía ver que estábamos en puertas de una banda destinada a crear historia. Pero durante el verano del 2004 y en pleno apogeo, Something Corporate anunciaba su separación. McMahon fundó los también brillantes Jack Mannequin, con los que ha conseguido mantenerse en la primera línea, aunque muchos hemos echado en falta la frescura de su primera banda.
Y ahora que el grupo ha anunciado su vuelta a los escenarios, no podemos pensar en un mejor momento para escuchar Played In Space, un trabajo que recopila lo mejor de su carrera. Las canciones de Something Corporate siguen sonando igual de frescas, sino más, ahora que hace un década, demostrando que una buena composición de pop/rock siempre estará por encima de modas y tendencias. Quién sabe si ahora que la banda ha vuelto, podrán tener ese reconocimiento por aquí, que se les negó en su primera etapa. Sería el justo premio a una carrera brillante.
Gilda Belushi
¡Gracias Gilda!
¿Queréis una pincelada de su música?
Incorporamos el enlace a la página oficial.
¿Quién dijo miedo? Hablamos de música
Hablábamos de miedo en la literatura, citando a los clásicos de Mary Shelley o Bram Stoker, pasando por Poe o Lovecraft y llegando al que me inspiró esta idea, Chris Priestley y su serie de los brillantes Cuentos de Terror. En alguno de estos casos, el miedo a un ser monstruoso o a un personaje errante puede llegar a producirnos también, paradójicamente, cierta tristeza; porque en ellos proyectamos ese miedo a la soledad y al aislamiento. En otros casos, experimentamos otro miedo, quizás más real o más cercano a lo que nos rodea, la escasez o la frustración, que pueden derivar en miseria o guerra y, al final, en muerte. Ese tipo de miedo, por ser más susceptibles de ser posible y real, me produce personalmente mayor miedo.
Me cuestionaba entonces qué relación o qué plasmación podría tener en el cine y la música. Quizás en el cine podría estar más claro, pero ¿en la música? Pues, probablemente, más de lo que pensamos; pues grandes canciones y vídeos musicales han surgido gracias a la inspiración de los clásicos de la literatura y su influencia en el cine. Una vez más, música, cine y literatura van indispensablemente ligados.
¿Cuál fue el primer vídeo musical y revolución total en la industria de la música?
Thriller, producido e interpretado por Michael Jackson en 1982, supuso un punto de inflexión y un cambio absoluto. De repente, no sabíamos si estábamos asistiendo a una sesión de cine o a un espectáculo musical y, por supuesto, era imposible entenderlo si no conocíamos cuál era el origen literario de los monstruos más famosos de la historia de la literatura. Parece increíble pero hoy aún me atrevería a decir que sigue siendo una de las más brillantes escenas musicales de la historia. Thriller sigue siendo, al menos, inquietante y debe serlo, sin duda, porque la base musical es absolutamente genial, la coreografía impecable y el look (ahora retro, entonces innovador) indiscutiblemente gore. ¿Alguien podría decirme, suponiendo que nunca antes lo hubiera visto, si se trata de un vídeo musical o un corto de cine?
Más tarde, a principios de los 90’s, la banda de música The Cure dio un paso adelante con su particular estilo de presentar su música en los vídeos, en línea con aquel look tan rock-punk que ahora traduciríamos en gótico. Los inicios de la banda, datan de los 70’s, pero, sin duda, el gran éxito vino con temas como Lullaby o Close to me. Aquí incorporamos el vídeo musical de Lullaby, aunque ambos me parecían igual de claustrofóbicos y, por eso, me producían cierto pánico.
Me atrevería a decir que esa herencia es la que llega hasta bandas españolas de nuestra actualidad, donde conservamos la estética neo-gótica y recordamos los clásicos que reconocemos en pequeños detalles. Es el caso de la banda Nikosia y sus vídeos que ponen música, de vuelta y cerrando el círculo, a los títulos literarios, Retrum y Retrum2.
Preguntamos a nuestra querida Gilda Belushi, para tener la opinión de un profesional, por algunos títulos musicales y vídeos que le causaran cierta inquietud o incluso miedo. Su respuesta incluyó algunos clásicos que deberían estar en toda videoteca como Ozzy Osbourne y su Bark at the moon, de 1983 e imposible de comprender sin conocer los clásicos de la literatura como el Dr. Jekyll y Mr Hyde, novela de Robert Louis Stevenson, o El hombre lobo, con origen en las culturas y mitos ancestrales y fuente de múltiples novelas. Gilda también citó a la banda nacida en los 80’s Metallica, con vídeos como Enter Sandman o One, con escenas de la película Johnny cogió su fusil, tremenda película de Dalton Trumbo sobre los horrores y terrores de la guerra, un miedo tristemente real. Gilda incorporó en su lista de clásicos de miedo algún tema de Radiohead, como el de Karma Police, de 2006, sorprendente.
Hay otro miedo en el que me hizo pensar Gilda, el generado por la fama. Muy adecuado al hablar de éxitos y bandas musicales. ¿Qué me decís de la gestión de la fama y sus posibles consecuencias? Llamémosle vértigo, pérdida de uno mismo, falsedad, soledad definitiva, absurdas amistades… como ejemplo, Aerials, tema de System of a Down (2002). Para los que miréis el video, ese “niño” tiene un aspecto absolutamente inquietante y paranormal.
“And we are the ones that want to choose,
Always want to play
But you never want to lose…”
Termino con Numb, de Linkin Park (éxito de 2003) que, lejos de dar miedo, me fascina cómo transforma el temor a la soledad en fuerza creativa. Este vídeo me recuerda a una saga de películas que citaré si hablamos del miedo en el cine… Debemos encontrar en cualquier presión y situación negativa un nuevo motivo para ser cada día un poquito más de lo que quieres llegar a ser.
Gilda me citó algunos más… pero me los reservo para otra ocasión… quizás son demasiado fuertes para vuestros ojos y vuestros oídos…
Stand Up and Fight, Turisas
Álbum: Stand Up And Fight
Grupo: Turisas
Discográfica: Century Media/EMI
Sección: Música
Comentario: Tanto el primer álbum de Turisas, como la canción más popular de éste –y probablemente de todo su repertorio- se titulaba ‘Battle Metal’, dando, en cierta manera, forma a todo un estilo en sí mismo. Y es que Turisas sería el ejército musical perfecto si se tuviera que encarar una de esas batallas épicas, que tan bien se han visto representadas en películas como Braveheart. Su imagen, con las caras pintadas de rojo y negro, y su atuendo de pieles, encaja a la perfección en todo ese mundo y la épica con la que adornan su música, no deja duda sobre el terreno en el que se mueven. Al fin y al cabo su nombre sale de un antiguo dios de la guerra finlandés, su país de procedencia. Aunque los han metido en el saco del folk metal, Turisas son un punto y aparte y mucho más después de escuchar Stand Up And Fight, su tercer álbum. A diferencia de cualquier banda de folk metal, que tiene como gran objetivo la fiesta y divertir al personal, la música de Turisas va mucho más allá, marcando la complejidad de ésta y sus diferentes influencias, un punto y aparte.
No es de extrañar que la banda liderada por Mathias ‘Warlord’ Nigard haya tardado cuatro años en dar una continuación a su anterior, The Varangian Way. A lo largo de los 45 minutos, que dura el álbum, podemos encontrar un autentico festín sónico, donde el metal sigue teniendo un papel importante; pero básicamente como hilo conductor para dar cabida a cosas tan diferentes como el rock de estadio de los 80, solo hay que oír lo efectivo de algunos estribillos, el folk más gamberro de bandas como the Pogues, y por otro lado las bandas sonoras de Enio Morricone, una de las influencias reconocidas de los finlandeses.
Canciones como ‘Hunting Pirates’, ‘Fear The Fear’ o la propia ‘Stand Up And Fight’ dan forma a un álbum imposible de comparar con otra cosa que haya ahora mismo. Algunos de sus antiguos seguidores no han acabado de aceptar esta evolución de Turisas, pero el tiempo acabará poniendo las cosas en su lugar, y es de cajón pensar que el grupo ha abierto una interesante senda, ante la cual nos sentimos intrigados hacia dónde irá en futuras entregas.
Gilda Belushi
Gracias Gilda. A nosotros este vídeo nos traslada a aquellos maravillosos tiempos de Mad Max. Parece que este fuera el vídeo alternativo. Ya ves, con Braveheart, todo queda con referencias similares.
Más información, en la página oficial de Turisas.
Achtung Baby – Deluxe Edition
Álbum: Achtung Baby – Deluxe Edition
Grupo: U2
Discográfica: Universal
Sección: Música
Comentario: Corría el año 1991 y U2 necesitaba urgentemente una reinvención. El espectacular éxito de The Joshua Tree les había convertido en una banda de estadios y su continuación, Rattle & Hum, no era más que un pequeño entretenimiento y su particular homenaje a la música más tradicionalmente americana. Pero Bono, como buen visionario, sabía que, si quería que el grupo se asentase como uno de los grandes nombre de la historia de la música popular –no olvidemos que en aquellos días los irlandeses eran una banda joven con apenas una década de existencia-, tenía que dar un giro de 180 grados al sonido del grupo.
Evidentemente lo que nadie podía esperar, es que la banda fuese de un extremo al otro de tal manera. Achtung Baby fue un paso peligroso, que de la misma manera que les salió bien, podía haber sido letal para la trayectoria del grupo. Por fortuna, las grandes canciones que el disco contenía acabaron triunfando y las voces de escepticismo poco a poco se fueron apagando.
‘The Fly’, el primer single del álbum, fue toda una sacudida. Un tema oscuro, con tendencias electrónicas en que las guitarras no tenían tanto peso y falto de esos estribillos-himnos que tan bien habían facturado hasta el momento, no era lo que el mundo esperaba de U2. Pero los irlandeses supieron arroparse bien contando con Daniel Lanois y Brian Eno –personaje fundamental en la vanguardia musical dentro del pop- para la producción, y creando un disco equilibrado donde no había nada de material de relleno. De hecho ‘The Fly’ era uno de los temas más diferentes del álbum.
20 años después, el disco sigue mantiendo su encanto intacto. Puede que algunos aspectos de aquella producción innovadora se hayan quedado algo desfasados, pero son daños menores dentro de un disco que elevó a U2 a la liga de los grandes, lugar que sigue manetiendo hoy en día. Canciones como ‘One’ son parte de la música popular del siglo XX, y otras como ‘Misterious Ways’ o ‘Whos’s Gonna Ride Your Wild Horses’ siempre estarán entre las favoritas del cuarteto.
La gira, Zoo TV, fue también una gira rompedora en todos los aspectos y sirvió de complemento ideal –tocaban prácticamente todo el álbum- para Achtung BabyEsta edición Deluxe, que conmemora el 20 aniversario, trae un CD con temas que pertenecieron a las caras B de los múltiples singles que salieron del álbum y donde se pueden encontrar pequeños tesoros. Señal del estado de gracia en que se encontraba U2 en aquellos días.
Gilda Belushi
Sin duda, estamos de acuerdo con Gilda en su selección de esta edición Deluxe de U2, uno de los mejores grupos de música de la historias y uno de los más emblemáticos.Con el permiso de Gilda Belushi, hacemos una excepción e incorporamos un video que no corresponde al álbum, pero es una versión muy buena de la canción One, en la que Bono comparte protagonismo con Mary J. Blige.
No quedan palabras.
Mariachi El Bronx (II)
Álbum: Mariachi El Bronx (II)
Grupo: Mariachi El Bronx
Discográfica: White Drugs
Sección: Música
Comentario: Segundo trabajo del alter ego de The Bronx, Mariachi de The Bronx. Un disco que confirma que esto es algo más serio que un entretenimiento.
En nuestra anterior crítica, en la que reseñábamos el fantástico disco de Airbag, comentaba con cierta amargura cómo la música y el arte no son una ciencia exacta y que nunca se sabe muy bien los factores que hace que la gente conecte con algo. En el caso de Airbag lo comentaba por lo poco lógico que es que su canciones tan adictivas las conozca mucha menos gente de la que debería. La otra cara de la moneda, la buena, se podría ejemplificar en Mariachi El Bronx.
Para poner en situación, decir que Mariachi el Bronx es el alter ego de The Bronx, una de las formaciones de hardcore/punk más interesantes que ha salido en la última década. Debido a la crudeza de su propuesta, y pese a haber cosechado grandes críticas con sus tres discos y directos, la banda nunca ha podido superar ese estatus de banda de culto, en el que tantas formaciones se mueven.
Un día, influenciados por esa comunidad mejicana que tanta presencia tiene en su Los Angeles natal, decidieron darle la vuelta a la tortilla y llamar a su nuevo proyecto El Bronx, rebautizado finalmente como Mariachi El Bronx, en el que cogían todo el legado de la música mejicana. Lejos de tomárselo como un pasatiempo o una broma, la banda dejó a todo el mundo abierto, con un disco de debut en el cual supieron alear la cultura americana por un lado, el disco estaba cantando en inglés, con toda la música y cultura tradicional mejicana por otro. Unas buenas canciones y unas letras que reflejaban a partes iguales la dureza de la vida en la frontera y los grandes momentos que se pueden vivir en las cantinas, hicieron el resto.
Mariachi El Bronx consiguieron tener la repercusión que nunca habían tenido con The Bronx y todo el mundo –desde Gogol Bordello a Foo Fighters- quería llevárselos de gira para abrir sus conciertos, aunque la prueba de fuego debería de ser un segundo álbum, que demostrara si esto iba en serio o si iba ser simplemente el sabor de la semana.
Y la respuesta, es más que simple. Mariachi El Bronx han dado en la diana de nuevo, entregando un disco todavía más completo que su debut. Titulado, al igual que el anterior, con el simple nombre de la banda –aclarar que tampoco los discos de The Bronx tenían título-, estamos ante un trabajo completísimo, que abrirá un nuevo universo musical a todo aquel que se acerque. Para este disco da la impresión que se han quitado los miedos que podían tener con su primer álbum –no olvidemos, ¡ hablando de una banda de punk californiana haciendo un disco de mariachi!- entregando un disco variado en el cual podemos encontrar piezas de absoluto desenfreno tex mex -¿alguien se puede negar a bailar ‘Norteño Lights’? hasta baladas plenas de sentimiento ‘Fallen’ pasando por temas repletos de aromas fronterizos como la preciosa ‘Great Provider’.
Un disco prácticamente perfecto para todos aquellos que quieran buscar cosas diferentes. Dudo que Mariachi El Bronx pueda decepcionar a nadie.
Gilda Belushi
Para los que aún no lo conocéis, aquí tenéis un pedacito, con la canción que abre el álbum, 48 roses.
Si queréis conocer más sobre este grupo, aquí tenéis la página oficial de Mariachi El Bronx.
¡Gracias Gilda!
Manual de Montaña Rusa, Airbag
Álbum: Manual de Montaña Rusa
Grupo: Airbag
Discográfica: Wild Punk Records
Sección: Música
Comentario: Nuevo disco de este trio malagueño después de tres años de silencio.
Desgraciadamente, en la música, como en la mayoría de las artes, las matemáticas y la lógica no existen. Es imposible saber qué es lo que hace que un grupo, una película, un libro, etc…consiga el favor del público o no. Eso, en parte, es lo que hace del arte algo especial, pero esa falta de lógica a veces puede acabar por molestar
Tomemos como ejemplo a Airbag. Empezaron como un trío de pop punk, tocando a toda pastilla, con unas letras que hablaban del desamor juvenil y de cómo se sentía uno al saber que nunca acaba por tener a la chica de sus sueños. Su discurso musical ha ido evolucionado hacia un power pop, aunque de vez en cuando se les escapa algún destello punk de sus inicios, pulcro y donde cada estribillo es sencillamente una fiesta. Estribillos imposibles de resistirse a tararear si los has escuchado más de dos veces. Las letras, eso sí, siguen siendo historias mundanas de amor con las cuales todos, tengamos la edad que tengamos, seguro que en algún momento nos hemos sentido identificados.
Esta es la colección de canciones más accesible que ha hecho Airbag en toda su carrera. Un disco para toda clase de públicos y que debería estar en lo más alto de las listas de éxitos. El por qué canciones como ‘Trailer’, en la que colabora Mai Meneses de Nena Daconte, ‘Nuestro Invierno’ o ‘Nueva York’, son todavía un secreto para el gran público es un misterio. No me gustaría pensar que a veces la imagen pese más que la propia música.
En definitiva, si ahora que ya nos está abrazando el frío con toda su crueldad apetece tener un oasis en casa, nada mejor que ponerse Manual De Montaña Rusa, una y otra vez. Si eres de los que disfrutan con Weezer, Beach Boys, Phil Spector o simplemente te gusta una buena canción. Éste es tu disco.
Gilda Belushi
¿Un paseo por la página oficial de Airbag?
Nevermind: Edición 20 aniversario
Álbum: Nevermind: Edición 20 aniversario
Grupo: Nirvana
Discográfica: Universal
Sección: Música
Comentario: Se cumplen 20 años de la edición de uno de los discos más importantes de la historia del rock.
Seguramente pocos discos en la historia de la música rock han tenido un papel tan fundamental como Nevermind, el que era segundo disco de Nirvana.
Hasta el momento de su edición, Nirvana eran un pequeña banda de Seattle que había cosechado buenas críticas con su disco de debut, Bleach, y los cuales habían llamado la atención por la personalidad de su líder Kurt Cobain. Pero poca cosa más.
Pero todo cambió ante la salida de Nevermind. Ese era el disco que necesitaba el mundo convulso de aquellos días –guerra del golfo, crisis económica, etc…- y nadie supo captarlo mejor –sin proponérselo- que Nirvana. Ellos nunca se propusieron ser un grupo para las masas, pero viendo la calidad que atesoraba el álbum, y lo vigente que sigue resultando dos décadas después, es justo lo que se merecían.
Comandado por un himno generacional como ‘Smells Like Teen Spirit’, Nevermind era un disco donde cada canción tenía vida propia. Butch Vig, el productor del disco, supo coger a la banda y darle un lavado de imagen, entendido de una manera positiva, para que su música pudiese llegar a un público más amplio. Cuando el disco se había convertido ya en poco menos que un icono popular, Kurt Cobain dijo que odiaba el sonido del disco y que sonaban demasiado pulcros. Quizás se fue algo de la aspereza que sí habían mostrado, por falta de presupuesto, en su primer disco Bleach y que luego volverían a mostrar, ya por actitud, en el siguiente In Utero. Pero lo que no se podía disimular era el inmenso talento de Cobain para hacer canciones de tres minutos con melodías y estribillos difíciles de olvidar. Sólo hay que ver el CD de rarezas que contiene esta edición de 20 aniversario, donde se pueden escuchar las canciones sin pulir, para darse cuenta que el esqueleto y el encanto irresistible de las composiciones ya estaba ahí.
El tiempo ha hecho que cada una de las canciones de Nevermind sea un pequeño clásico en su mismo y como a pesar de que Cobain se hubiese criado escuchando disco de punk y heavy metal, siempre tuvo una faceta pop que influyó mucho a la hora de componer.
Imprescindible para entender la música popular de las últimas dos décadas.
Gilda Belushi
Aquí va un vídeo promocional
Encontraréis más información en la página oficial de la discográfica.
I’m with you, Red Hot Chili Peppers
Álbum: I’m With You
Grupo: Red Hot Chili Peppers
Discográfica: Warner
Sección: Música
Comentario: El primer disco en cinco años que editan Red Hot Chili Peppers, y el primero con su nuevo guitarrista Josh Klinghoffer.
Ni el más brillante de los adivinos podía haber predicho que, cuando Red Hot Chili Peppers se forma en 1983, acabaría siendo uno de los grupos más populares del mundo. En aquellos días, eran cuatro jóvenes haciendo una música extraña, para aquellos tiempos, que bebía del punk y el funk y muy lejos quedaban las composiciones con las que el grupo lleva obsequiándonos durante sus últimos discos.
Aunque los ritmos funk, cortesía del bajista Flea –el único miembro que lleva desde el principio junto al cantante Anthony Kiedis- todavía siguen siendo parte del sonido de la banda, éstos están ya al servicio de unas canciones mucho más tranquilas y pausadas, que beben del rock clásico de toda la vida. Kiedis y Flea suelen quedar para ir a surfear en las playas de Malibú siempre que el tiempo se lo permite. Si podemos transportarnos a una situación tan idílica como ésa, la banda sonora que sonaría de fondo podría ser este nuevo disco de Red Hot Chili Peppers.
Este no es un trabajo ni mejor ni peor que otros de Red Hot Chili Peppers. Es un disco continuista y ni si quiera la entrada de un nuevo guitarrista Josh Klinghoffer, en sustitución de John Frusciante, un músico clave en la evolución musical del cuarteto, ha hecho variar en demasía el resultado final.
Encontramos bonitas baladas ‘Meet Me At The Corner’, canciones de tempo más rápido y bailable ‘Dance Dance Dance’ o simplemente singles resultones para asaltar las radios y televisiones de todo el mundo como puede ser ‘The Adventures Of Rain Dance Maggie’. En definitiva un poco de todo para contentar a sus millones de seguidores.
Red Hot Chili Peppers estarán actuando en España el próximo mes de Diciembre . Concretamente el 15 en Barcelona (Palau Sant Jordi) y el 17 en Madrid (Palacio de los Deportes).
Aquí tenéis el enlace a la página oficial de Red Hot Chili Peppers.
Gilda Belushi
