Hablábamos de miedo durante las semanas pasadas y citamos libros y música relacionadas. Pensamos que no está concluido el tema si no mencionamos algunos títulos del cine. No pretendemos aquí convertirnos en expertos críticos de cine y, probablemente, a cualquiera se le ocurrirán muchos títulos más de los que podamos citar. Nuestra única intención es citar aquellas películas y géneros relevantes al hablar de miedo.
Si nos remontamos a los clásicos, tal y como hicimos con la literatura, tenemos un punto de partida inevitable en las películas de los personajes monstruosos tan populares como Drácula o Frankenstein y de actores que los representaron, como los rivales Béla Lugosi y Boris Karloff. El primer drácula del cine (Béla Lugosi lo interpretó en los años 30) fue sustituido, a finales de los años 50, por el más famoso de los actores-vampiros, Christopher Lee, en películas coprotagonizadas por Peter Cushing, el eterno archirival. Pareja de cine que ya había comenzado con una interpretación cinematográfica de, precisamente, Frankenstein y el Dr. del mismo nombre en La maldición de Frankenstein (1957), dirigida por Terence Fisher. Christopher Lee interpretaría durante toda su carrera cinematográfica a múltiples personajes malvados. Cualquiera de aquellas versiones de Drácula distaban mucho de la leyenda original, que Francis Ford Coppola recupera en la película Drácula de Bram Stoker (1992) y nos recuerda que no se trata más que de una historia de amor. Algo similar ocurre con la novela de Frankenstein, de Mary Shelley, tras clásicos en los que el monstruo se mostraba agresivo sin ningún criterio, la película dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh, Frankenstein de Mary Shelley (1994), nos recuerda la triste historia de este personaje; un pobre diablo creado para vivir en la más mísera soledad y rechazo.
Entre la película de James Whale, protagonizada por Boris Karloff y una de las más conocidas, y la película más moderna que conocemos sobre este personaje, la dirigida por Kenneth Branagh, pasaron más de 60 años. Ambas tienen algo en común, además de la magnífica interpretación de B. Karloff en la primera y Robert de Niro en la última, en las dos podemos descubrir la mayor de las tristezas y uno de los peores miedos, el aislamiento y la soledad.
Incorporo un tráiler de la versión de 1931, destacando especialmente una de las escenas que aún me siguen produciendo miedo; la primera de todas en este tráiler. Escena en la que Frankenstein, por complacer a la niña y queriéndole seguir el juego, decide comprobar si flota como una florecilla…
Incorporo también una escena de la versión interpretada por Robert de Niro. ¿Porque me dio miedo? Nada más lejos. Porque lloré.
Entre estas dos películas hubo una revolución en el cine de terror. En los años 70, los personajes clásicos de leyenda dejaron de ser el objeto del miedo y fueron sustituidos por un nuevo género, con un nuevo lenguaje y una estética absolutamente diferente. Nació el auténtico cine de terror. El que te hace levantar de la butaca, cerrar los ojos y apretar los dientes. El punto de inflexión está en una obra maestra La semilla del diablo, de Roman Polanski. Una película donde el terror se insinúa y juega con la mente del espectador, una película para mentes despiertas y corazones fuertes.
A partir de aquí, se abría un mundo de posibilidades por explorar, desde el terror más psicológico al más sangriento. Citaré mi serie de terror favorita, Pesadilla en Elm Street, con un fatídico Freddy Kruegger que nunca te dejaba dormir tranquilo. Aquella cancioncilla “Uno, dos, el hombre del saco…” te hacía sentir un sudor frío en la frente y un escalofrío en el interior. La exploración de los sueños y la dificultad para discernir ilusión y realidad. Esta serie, aparentemente atractiva por su alto contenido en escenas sangrientas, era interesante por el punto de inflexión. Aquí no escapabas del monstruo corriendo. De hecho, corriendo no lo solucionabas, pues te perseguía en tu sueño, una noche tras otra. Aquí la manera de vencerle era superarlo, ser más fuerte que él, en inteligencia, perspicacia y vitalidad.
Sólo hay una persona capaz de vencer a Freddy Kruegger y no es una chica indefensa, sino el conjunto de todo un equipo, encarnado en una misma persona. Sólo cuando nos sentimos verdaderamente fuertes, sólo cuando creemos en nuestra capacidad y tenemos autoconfianza, sólo entonces somos capaces de superar a los peores monstruos y despertar de las más horribles pesadillas. Por cierto, yo lo hubiera dejado en la 4.
(no está disponible para compartir una versión más clara, si queréis verla, pincha aquí).
Para repasar lo que ocurrió durante estos años en la historia del cine y comprender esta evolución, podemos guiarnos por lo que cuenta Jason Zinoman en Sesión sangrienta.
Investigando la industria del cine un poco más sobre el miedo y en vista de que los espectadores nos habíamos vuelto un tanto insensibles ante tanto terror y sangre evidente, surgió un estilo diferente. Un proyecto dio el pistoletazo de salida para una idea basada en la sugerencia terrorífica. En The Blair Witch Project, de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick (1999), no se ve absolutamente nada parecido a monstruos, sangre ni asesinatos; únicamente se intuye. Y es esa imaginación desbordada, motivada y sugestionada exclusivamente con una cámara nerviosa y una narración genialmente desesperante por la inquietud que transmite, es eso lo que provoca la sensación de miedo. Un documental terrorífico donde debes esperar al final, para quedarte helado.
Después de esta experiencia, me quedo por supuesto con una mucho más elaborada que vuelve a retomar la idea del poder de la sugestión. En esta ocasión, la genialidad radica en recuperar el miedo para aislar a una población, protegerla y preservarla. El Bosque, de M. Night Shyamalan (2004) narra la historia de un bosque maldito, película en la que te planteas dónde está el verdadero terror, en nuestra imaginación, en las butacas del cine o en lo que nos encontramos cada día cuando salimos a la calle. El verdadero miedo, no se encuentra en las salas de cine.
Me dejo por el camino películas de cinco estrellas, como Fallen, de Gregory Hoblit, que ya he mencionado en varias ocasiones; pero podríamos pasarnos una vida entera. Prefiero acabar por el principio. El principio del cine y el principio del miedo. Por cine, haré mención de una de las películas más antiguas consideradas de “miedo”. Me voy a 1932 y cito a Tod Browning y su parada de los monstruos. Me refiero a Freaks, un fracaso de taquilla en su debut y una película de culto 80 años después. Esta película refleja el mayor de los horrores, la venganza del humillado, y el peor de los defectos, el orgullo. Nadie es perfecto para sentirse superior al resto, todos tenemos nuestros defectos… y, si no los vemos… nos ayudarán a verlos… Ahí está el principio del miedo…
Bienvenidos al mundo del cine, bienvenidos a la historia del miedo.
Título: El Club de los Poetas Muertos Dirección: Peter Weir Banda Sonora: Maurice Jarre
Comentario: “Fui a los bosques porque quería vivir a conciencia, quería vivir a fondo y extraer todo el meollo a la vida, dejar de lado todo lo que no fuera la vida, para no descubrir en el momento de la muerte, que no había vivido.”
Película de 1989, convertida ya en un clásico del cine norteamericano. En una prestigiosa escuela – donde imperan los valores de la tradición, el honor, la disciplina y la grandeza – entra un nuevo profesor de literatura que rompe todos los esquemas y descubre a los alumnos un nuevo modo de enfocar y de entender la vida.
Descubriréis a Walt Whitman (Oh Capitán, mi capitán), conoceréis el significado de Carpe Diem (aprovecha el momento) y veréis otra manera de enseñar y entender la poesía. Pero lo que más aprecio de esta película es cómo muestra el espíritu de la libertad, aprender a ser uno mismo, perseguir lo que anhelas, no perder el tiempo, disfrutar y saber vivir. Yo aprendí a buscar y encontrar mi propio camino, aprendí a tener opinión propia.
“Dos caminos divergían en el bosque y yo tomé el menos transitado de los dos, y aquello fue lo que cambió todo”, Robert Frost
Os dejo con, a mi modo de ver, la mejor escena de la película.
“Nunca ha habido más comienzo que el que hay ahora,
ni más juventud ni vejez que la que hay ahora;
y nunca habrá más perfección que la que hay ahora,
ni más cielo ni infierno que el que hay ahora.” Walt Whitman, extracto del Canto a mí mismo, de Hojas de hierba.
Comentario: Incorporamos esta película en nuestro catálogo por dos razones: la primera para que conozcáis un poco mejor a Gilda Belushi, la segunda para que tengáis más referencias de los orígenes de la música, cine, series y humor del que disfrutamos todos en la actualidad.
Gilda Belushi nos cuenta:
Después de un nuevo visionado de The Blues Brothers, aquí titulada “Granujas A Todo Ritmo”, cada vez tengo más claro que es difícil que el cine de entretenimiento pueda llegar a ser mejor que esta película, por la cual no pasan los años.
A medio camino entre el cine musical y la comedia más disparatada, The Blues Brothers dirigida por la batuta maestra de John Landis –Un Hombre Lobo Americano En Londres, Thriller de Michael Jackson, etc…- es indudablemente una de las grandes películas que dio la década de los ochenta.
The Bues Brothers son Jake Blues (John Belushi) y Elwood Blues (Dan Aykroyd). Belushi y Aykroyd se dieron a conocer a mediados de los setenta gracias a Saturday Night Live, programa que cambió para siempre la televisión de entretenimiento, cantera de algunos de los humoristas más importantes de las últimas décadas (Eddie Murphy, Mike Myers, Bill Murray y un largo etc…) y que sigue en antena 37 años después de su inicio, todavía con la capacidad de sorprender al público. The Blues Brothers fueron uno de tantos personajes que crearon Belushi y Aykroyd pero, fue tanta la aceptación que tuvo la pareja, que se decidió hacer una película.
La película se estrenó el 20 de Junio de 1980, y fue un éxito desde el primer momento. Lógico, teniendo en cuenta que desde la escena inicial, donde Elwood va a recibir a Jake a su salida de la cárcel, la película no tiene ni un solo segundo de aburrimiento.El argumento parte de la situación en que, debido a que van a tirar el orfanato donde se criaron Elwood y Jake, éstos deciden ayudar a las monjitas que lo llevan. El problema se plantea en cómo juntar los 5.000 dólares de deuda en apenas una semana. Pero a los dos protagonistas les llega una revelación divina, en la que tienen que volver a juntar a su antigua banda de soul. A partir de ahí, empiezan la peripecias de ambos personajes en reclutar a los antiguos componentes de la banda, ya alejados todos del mundo de la música.
A parte de la vertiente cómica, presente en todo momento en la película, el gran aliciente está en la música que podemos encontrar en ella. En la vida real Dan Aykroyd era un gran aficionado a la música soul y fue éste quien le contagió a Belushi –mucho más metido en el punk rock- el entusiasmo por esa música. La banda sonora del film no tiene desperdicio y los cameos musicales que hay en la peli (James Brown, Ray Charles, Aretha Franklin y Cab Calloway) son ya parte de la historia del cine musical.
El tiempo ha demostrado que The Blues Bothers se ha convertido en una película única en su género y visto lo desastroso de su secuela en el año 2000, mejor dejarlo así. Nadie puede interpretar a esos personajes como lo hicieron aquello jóvenes Belushi y Aykroyd. Una pena no saber cómo hubiese evolucionado la pareja si no se hubiera producido la desafortunada muerte de John Belushi.
Gracias Gilda.
Os dejamos con una escena de la película con la gran Aretha Franklin
¿Sabíais que la película está llena de cameos con grandes de la música?
¿Ya habéis visto la película de Tintín? Nos surgieron tantas dudas y pensamos tanto en el cómic que no hemos podido evitar preguntar a un experto tintinólogo. Joan Manuel Soldevilla Albertí, catedrático de lengua y literatura y estudioso de los medios de comunicación de masas. Sobre Tintín, una de sus grandes pasiones, ha comisariado exposiciones, impartido cursos universitarios y publicado decenas de artículos siendo autor de los libros Abecedario de Tintín y Univers Hergé.
Fue tan amable de enviarnos su propia reseña de la película, Joan Manuel Soldevilla escribió:
Tintín llega al cine Joan Manuel Soldevilla, tintinólogo
La llegada de la película Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio se ha convertido en un verdadero acontecimiento social. A lo largo de las últimas semanas, todos los medios de comunicación han encumbrado el proyecto a la categoría de estreno-estrella de la temporada y los muy buenos resultados obtenidos en taquilla parecen consolidar la magnitud del fenómeno, Por toda Europa, y de forma muy significativa en nuestro país, Tintín ha sido portada en periódicos y revistas mientras que en los Estados Unidos -donde el personaje no es tan popular- se espera su llegada coincidiendo con las fiestas navideñas.
Producida por Peter Jackson -El señor de los anillos, King Kong- y dirigida por el todopoderoso Steven Spielberg, la película es una superproducción con todas las de la ley que, ante la duda entre hacer una película de animación o una película con actores reales, ha optado por una suerte de vía intermedia como es la técnica del body motion donde se capturan los movimientos de los actores reales para después digitalizarlos y convertirlos en una animación que, además, explota a fondo las posibilidades del cine en 3D.
El resultado final es absolutamente espectacular creando una película de aventuras de ritmo trepidante, un artefacto impecable que sabe crear atmósferas de gran magnetismo y que demuestra las arrolladoras posibilidades de la técnica más innovadora cuando se combina con el talento y con el oficio. Ahora bien, ¿es la película un “Tintín”? ¿Han sabido sus responsables captar y capturar la esencia de la obra de Hergé?
Jackson y sobre todo Spielberg son buenos lectores de Tintín; de hecho, el padre de Indiana Jones ya hacía años que estaba negociando – primero con Hergé, después con sus herederos-, la posibilidad de llevar al cine los álbumes de la colección. Treinta años de negociación han permitido madurar mucho el proyecto y esto se nota en la voluntad de la película de ser fiel al espíritu de la serie. Voluntad manifestada en el retrato de los personajes, en la hábil combinación del gag visual y lingüístico con la tensión narrativa o en la extraordinaria capacidad para retratar espacios que el lector recuerda con especial intensidad como pueden ser la casa de la calle del Labrador 26 o el castillo de Moulinsart. No obstante ello, y por el hecho de tratarse de una producción hollywoodense, los responsables han tomado decisiones que, desde la ortodoxia tintinóloga, son muy discutibles; así parece innecesaria la modificación severa del argumento original, la presencia de escenas de acción que parecen destinadas a promocionar los videojuegos que acompañan el estreno o algunos chistes de discutible gusto, impensables en una creación de Hergé. De hecho, el gran pero que se le puede poner a la película gira alrededor de una de sus grandes virtudes: la espectacularidad. Los álbumes de Tintín son excepcionales pero nunca podrían ser calificados de espectaculares, un rasgo que vertebra toda la propuesta de Jackson y Spielberg.
Más allá de purismos, cabe concluir que es una buena película, quizás mucho más intensa y vertebrada en su primera mitad que no en la segunda, donde parece devorada por su propia dinámica trepidante, pero de visión necesaria. Los amantes de Tintín hemos quedados bastante satisfechos y escenas como la inicial, desarrollada en ese mercadillo de antigüedades donde aparece el mismo Hergé, nos han emocionado y entusiasmado. Esperamos con ganas las nuevas entregas -se dice que se desarrollará una trilogía- de este proyecto.
Le haremos unas cuantas preguntas más acerca de la película, el cómic y los tintinólogos. Cualquier duda que tengáis, nos la comentáis y la incorporaremos a la entrevista. Os informaremos del resultado.
Título: Las aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio
Dirección: Steven Spielberg
Producción: Steven Spielberg, Peter Jackson, Kathleen Kennedy
Título de la Novela: Las aventuras de Tintín. Cómic
Autor de la Novela: Hergé
Comentario: “Las aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio” se centra en el misterio que oculta la maqueta de un barco que Tintín adquiere para obsequiársela a su amigo Haddock; tras el inusual interés de unas personas por reproducir el navío, Tintín descubre que hay tres modelos similares, ocultos en ellos unos pergaminos que transportarían al tesoro del pirata Rackham El Rojo…
Ya hemos visto la película. ¿Alguno de vosotros conoce y ha disfrutado de los cómics de Tintín? Las aventuras de Tintín, de Hergé, un clásico en el mundo del cómic con humor, misterio y aventuras. Hay grandes especialistas de la colección, “tintinólogos” y de su creador e incluso encontraréis tiendas especializadas en Tintín.
Spielberg llevaba años gestando la idea de una película de Tintín. Comenzar con El secreto del Unicornio ha sido un gran acierto, pues le da pie a continuar la saga. Producida por Steven Spielberg, Peter Jackson y Kathleen Kennedy y bajo el sello Paramount Pictures y Columbia Pictures la diversión está asegurada.
Es una auténtica película cargada de tensión y de aventuras. En contínuo movimiento y, gracias a la técnica 3D, es posible presenciar piruetas inimaginables, abordajes fantasma y golpes imposibles, acercándose así a la fantasía que impregnaba las viñetas de Hergé. Tintín, un intrépido periodista con su perro inseparable Milú, se aventura a descubrir el misterio del Unicornio, el barco que había pertenecido al linaje de los Haddock y que será imposible descifrar sin la ayuda del único descendiente, el Capitán Haddock, algo borrachillo pero un valiente que hace honor a su nombre.
Auténtica aventura con el sello Spielberg y la imprenta de Peter Jackson, un espectáculo en la pantalla. Quizás el Capitán tiene algo menos de sentido del humor y Hernández y Fernández (Thomson & Thompson, en inglés, o Dupont et Dupond, en francés) sean algo menos empalagosos, pues esta vez no tienen tanto protagonismo; pero Tintín es aún más bravo e inteligente, y “aún diría más”, me resulta menos repelente. Nos ha gustado esta entrega y esperamos que Spielberg contemple la segunda. Más de 10 años ha tardado en conseguirlo, pero el resultado ha valido la pena.
Os recomendamos echar un vistazo, antes y después, al auténtico cómic El Secreto del Unicornio. O aún mejor, pasar directamente a la continuación que también deja abierta en la película: El tesoro de Rackham el Rojo… aventura asegurada. Quizás os “engancháis” a una colección cargada de aventuras, humor e ingenio.
Únicamente nos surge una duda, parece que en la película convierte el final de los dos cómic en uno sólo, resolviendo así el misterio del tesoro de Racham El Rojo, en cuyo caso, nos parecería un error por cerrar la historia que podría ser más completa, pues los dos cómics dan mucho de sí. Buscaremos a un experto para que os explique de qué hablamos…
Si pincháis aquí, encontraréis un enlace a la página oficial de Tintín, la película, con fotos, trailers, juegos y mucho más. Esperamos que os guste y nos gustará conocer vuestra opinión.
Comentario: ¿POR QUÉ NO HACES REALIDAD TUS SUEÑOS?
Atreyu, con su caballo Artax, la Emperatriz Infantil, en su torre de marfil, el hombre de piedra, el caracol más veloz del mundo… la Nada… y el indeciso Bastian. Todos forman parte de la película, La historia interminable, basada en la novela de Michael Ende que lleva el mismo nombre.
Fue rodada en los años 80 y a M. Ende no le gustó en absoluto por considerarla una simple introducción de una historia mucho más rica e intelectual. Aunque ciertamente se quedara en una simple “introducción” a la novela, lo cierto es que impulsó a muchos chicos a su lectura. Consigue crear la tensión que la historia merece y los personajes se convierten en … reales. Es muy fácil sentirse indentificado con Bastian … un chico indeciso, con una imaginación desbordante que, cuando consigue destaparla, le convierte en el HÉROE DE FANTASIA. A mí también me gusta ser un héroe… y hacer realidad mis sueños …
La principal canción de la película la cantaba Limahl y fue un gran éxito durante mucho tiempo. Aquí tenéis el vídeo:
La verdad es que, si dejamos de lado el look retro y la tecnología anticuada de la película, sigue siendo muy atractiva. Empieza a verla, a ver si no te dan ganas de seguir, hasta el final!!!
¿Qué nombre le hubieras puesto tú a la Emperatriz Infantil?
Adelante, GRITA ese nombre y salvarás un pedacito de Fantasía.
¿Te parece fácil? Pues hazlo, si no quieres sucumbir a LA NADA…
